Графика во времени

«Искусство - это тот же строй, как мир...»
В.А. Фаворский

Выставка «Век графики. От Казимира Малевича до Олега Кудряшова» имеет подзаголовок «Из новых поступлений» и, следовательно, призвана познакомить зрителей с результатами собирательской деятельности отдела графики ХХ века Государственной Третьяковской галереи. Последняя такая экспозиция состоялась в 2003 году. Большие графические показы вообще редки: очевидная причина - хрупкость, элитарность, многомерность этого искусства. Объем нового материала (более 3000 произведений) и, главное, его высокое качество позволяют представить в залах музея целостную и достаточно полную историю отечественного рисунка, гравюры и акварели с конца 1910-х до начала 2020-х годов.

Дизайн выставки предложен архитекторами Кириллом Ассом и Надеждой Корбут. Экспозицией занималась Нина Дивова. Общими стараниями создан запоминающийся образ - строгое, торжественное пространство с особым освещением и ритмом демонстрации работ. В изданный к выставке каталог вошло около 300 произведений 75 художников.

Залы выставки «Век графики. От Казимира Малевича до Олега Кудряшова» в Государственной Третьяковской галереe на Крымском Валу
Фотография

Исторический период от начала ХХ века до наших дней действительно можно назвать «веком графики» в изобразительном искусстве. В это время графика не только осознала свою самостоятельность, но и вырвалась на передовые позиции, во многом определяя стиль эпохи. Параллельно развивалось и ее научное осмысление. В конце 1910-х - начале 1920-х годов стараниями крупнейших искусствоведов Игоря Грабаря и Анатолия Бакушинского Третьяковская галерея приступила к систематическому формированию коллекций современного рисунка. К середине 1920-х относится начало планомерного собирательства гравюры. С тех пор этот процесс никогда не прекращался. Фонды продолжали пополняться даже в годы Великой Отечественной войны.

Сегодня в отделе графики ХХ века ГТГ хранится около 50 000 произведений. Каждое новое приобретение или дар - отдельный сюжет в судьбах произведения и собирателя.

Как выбрать и что подчеркнуть в этом разнообразии? Устроители выставки сознательно акцентировали не только и не столько специфическую проблематику графики, сколько выраженные графическими средствами ценностные, проектные установки художников. Проблемы организации формы, пространства, цвета и света у каждого автора раскрываются по-новому, задавая сложную картину жизни искусства.

Среди главных тем - необходимость обозначить не очевидные дистанции между мастерами, но связи, объединяющие поколения. Здесь и личные контакты, в том числе родственные, и сложные отношения учителей и учеников (в частности, обстоятельства педагогической деятельности Казимира Малевича, Александра Родченко, Владимира Фаворского). Здесь, наконец, история влиятельных образовательных институций - от ГСХМ[1] и ВХУТЕМАСа[2] до современных вузов. Структурирование разделов выставки по двадцатилетиям позволило подчеркнуть изменения, происходившие за это время.

Несмотря на весомое представительство самых значимых имен, смысл отбора заключался вовсе не в том, чтобы ограничиться произведениями лидеров. Не менее важны сравнительно малоизвестные художники, наследие которых лишь начинает открываться. Причем большинство авторов представлены в экспозиции не отдельными работами, а целостными блоками-персоналиями.

Уже в названии выставки объединены два имени - Казимир Малевич и Олег Кудряшов. Этим разным мастерам равно близка идея пластической красоты, свойственная лучшим произведениям ХХ-ХХ1 веков.

1

Самый обширный раздел выставки (1910-1920е) открывается рабочими рисунками Казимира Малевича - формулами его идей, образцами минималистского метода организации пространства. Создателя супрематизма интересует все, что остается в изобразительном искусстве после радикального отказа от сюжета, - «чистые формы», «культура прямых и кривых», «фактурные, структурные отличия строений линейных и цветных». Некоторые листы имеют конкретное предназначение и, в частности, создавались для литографированного издания «Супрематизм. 34 рисунка» (Витебск, 1920). Произведения, происходящие из собрания художницы Анны Лепорской (дар Н.Н. Суетиной), стали в 2003 году одним из важнейших приобретений ГТГ. Другая часть этого же приношения оказалась в Государственном Русском музее.

Интереснейшим экспонатом является эскиз супрематической росписи трамвая, созданный Александром-Борисом Цейтлиным, витебским учеником Малевича. До наших дней дошло лишь семь его произведений, но все это замечательные образцы творчества «партии художников» УНОВИС[3]. Представленный эскиз связан с праздничным оформлением города к 1 мая (1920). В знаменитом альманахе «УНОВИС №1» воспроизведены похожие работы Цейтлина и Нины Коган. Все они выполнены на основе специального клише, схематично изображающего трамвай. Композиция одного из эскизов, помещенных в альманахе (лист 38), совпадает с произведением, подаренным ГТГ в 2021 году, но гораздо меньше его по размерам.

Рядом с рисунками супрематистов в специальной витрине находятся гравюры Давида Штеренберга, первого заведующего Отдела ИЗО Наркомпроса[4], сыгравшего определяющую роль в истории русской «футуристической революции». Многие годы наряду с живописью Штеренберг активно занимался ксилографией. Редкие оттиски, демонстрирующие эту, пожалуй, самую камерную сторону его творчества, доказывают своеобразие графической манеры художника, лучшие пластические качества его гравирования и фактурные эффекты. Подобные произведения, лишенные радикализма, но неизменно отстаивавшие формальные ценности, стали школой для последователей мастера, определили его место в авангарде. В 2004 году оттиски были приобретены у коллекционера Ю.И. Палинова.

Значительным примером футуристической книги является редкое литографированное издание стихов Анатолия Мариенгофа «Руки галстуком», предпринятое в 1920 году поэтами-имажинистами и оформленное Георгием Якуловым. Пестрые тексты художник сумел объединить в новую (уже пластическую) целостность, пользуясь специально изобретенным для этого шрифтом, акцентируя ритмы полуабстрактных вихреобразных структур, которые он сам и создавал на страницах книги. Его иллюстрации - сменяющие друг друга метафоры, рождающиеся в воображении при чтении стихотворных строк:

«Обвяжите, скорей обвяжите вокруг шеи
Белые руки галстуком,
А сумерки на воротнички подоконников
Клали подбородки, грязные и обрюзгшие,
И на иконе неба
Луна шевелила золотым ухом».

В 2003 году книга была приобретена Галереей у Г.Ф. Агафонова в крайне ветхом состоянии, отреставрирована и демонстрируется на выставке отдельными листами.

Собрание Александра Родченко пополнилось в 2006 году рисунком из серии «Линиизм» (дар семьи художника). Линия для Родченко «есть путь прохождения, движение, столкновение, грань, скреп, соединение, разрез»[5] - словом, основа произведения, важнейший фактор его организации. Подобные линейные схемы послужили началом для живописных картин и разнообразно отозвались затем в проектах учеников автора.

Комплекс своих упражнений из серии «Графические конструкции на плоскости» (1921-1922) сумела сохранить московская художница Анастасия Ахтырко. Она занималась у Родченко на факультете обработки дерева и металла ВХУТЕМАСа-ВХУТЕИНа[6], входила в Рабочую группу конструктивистов ИНХУКа[7] (апрель-май 1921), была связана с журналом «ЛЕФ» (1923-1925). Во всех вариантах рисунков, объясняющих раннеконструктивистское понимание принципов организации формы, прослеживается последовательное усложнение общего приема - абстракция строится с помощью чертежных инструментов и модульной сетки. В 2012 году 72 графические работы Ахтырко были подарены Галерее С.А. Малкиным.

На специальном экране демонстрируется редкая кинохроника, запечатлевшая Александра Родченко, его маму Ольгу Евдокимовну и жену - выдающуюся художницу Варвару Степанову в московской мастерской на Мясницкой, 21. Непосредственно для выставки подготовлена также видеореконструкция учебных заданий, которые Родченко предлагал своим студентам во ВХУТЕМАСе.

Совсем недалеко от проектов конструктивистов на выставке оказались и работы Владимира Фаворского, на первый взгляд противоположные по задачам «левому искусству». Но организаторам важно было еще раз подчеркнуть, что аналитический интерес к проблемам пространства и формы захватил в 1920-е годы не только «левых», но и самых вдумчивых и глубоких поборников традиции. Подобные сопоставления («разговоры» и «теоретические споры» авторов) спланированы организаторами выставки.

Редкие оттиски одного из лучших ранних циклов Фаворского - заставки из оформления трагедии Андрея Глобы «Фамарь» (издана в 1923 году) - поступили в 2004 году от коллекционера Ю.И. Палинова. У Фаворского каждый элемент оформления (от иллюстраций до шрифта) находит свое место и значение в авторской «философии пространства», которую художник успешно применял в собственном творчестве и педагогике.

Заметим, что ровно 100 лет назад, в 1923 году, когда создавались эти листы, мастер занял пост ректора новаторского ВХУТЕМАСа. Неслучайно и конструктивисты, и представители московской школы ксилографии использовали общие определения: например, произведения тех и других не просто исполнены, а «построены», «собраны».

Искусство учеников Фаворского во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе представлено на выставке виртуозной ксилографией Николая Падалицына «Пейзаж с косцами», также приобретенной ГТГ у Ю.И. Палинова. В 1930 году Падалицын, работавший лаборантом в Московском полиграфическом институте, был обвинен в антисоветской деятельности и расстрелян по приговору тройки ОГПУ[8]. Считаные работы уцелели чудом.

Николай Купреянов широко известен как выдающийся рисовальщик, руководитель литографской мастерской ВХУТЕМАСа. В 2008 году десять его работ были приобретены у Н.Я. Купреянова, внука художника. В том числе в Галерею поступил такой шедевр графического искусства, как «Возвращение стада», сочетающий жизненную убедительность и глубину переживания природы с формальной условностью.

К школе Купреянова принадлежат Илья Кулешов и Елена Афанасьева. В 2008 году большая коллекция их произведений (более 50) была подарена Галерее М.Л. Афанасьевой. Почти все они относятся к 1920-м годам, времени обучения супружеской пары на литографском отделении полиграфического факультета ВХУТЕМАСа-ВХУТЕИНа. Судя по всему, студентам давалась одна на всех общая тема, которую они должны были разработать, демонстрируя не только свою индивидуальность, но и общее направление образования. Сцены из московского быта у обоих решены с помощью технических приемов, заимствованных у немецких экспрессионистов. Живой интерес к «политическому искусству» Европы, энергия «левой изобразительности» становятся характерными чертами молодежи ВХУТЕМАСа. Экспозиция отражает этот новый интерес к фигуративному искусству в графике советской России середины 1920-х.

2

Следующий раздел выставки (1930-1940-е) напоминает о самом драматическом периоде в жизни страны, когда все свободные творческие группировки были распущены. Их заменил в 1957 году организованный единый Союз художников СССР. Диктат государства заставлял разных авторов отказываться от убеждений, приспосабливаться к жестким требованиям власти, чтобы сохранить элементарное право на профессию. На выставку отобраны работы тех, кто смог сохранить свое творческое лицо.

Среди этих героев скульптор и график Иван Ефимов, сумевший проявить свои возможности с редким разнообразием и изобретательностью. Над своими кукольными спектаклями («театром движущейся скульптуры») он работал вместе с женой, живописцем Ниной Симонович-Ефимовой. Эскизы кукольных театрализованных установок для уличного шествия подарены в 2023 году наследниками художников. Замысел одного из эскизов Симонович-Ефимова объясняет так: «Ведет лошадь японец-генерал. Буржуй из фанеры, грудь и фалды. Ноги из тряпки. Одна нога - палка, вдетая, идет доверху, в плечах палка поперек. К ней привязаны руки-палки. В левой руке — “трость”. Руководит человек в сером сзади. Другие руки движутся от веревочки, которая идет и к головам “угнетенных”. Локти, плечи, пальцы на веревочках, правую его ногу держит человек в сером (черном), палка, кроме того, во втулке внизу, так крепче. А человек вертит. Тут сидят у нас манекены на телеге. Но можно и людей поместить, только покрепче сделать»[9].

В залах демонстрируется редкая кинохроника, рассказывающая о живых выступлениях кукольного театра Ефимовых. Съемка была инициирована знаменитым директором «Музея игрушки» Николаем Бартрамом.

Значительное место в экспозиции отдано искусству Ленинграда (ныне Санкт-Петербург). Здесь одним из важнейших узлов оказались миниатюрные акварели Павла Басманова, приобретенные в 2006 году у М.П. Басмановой, дочери художника. Вдохновляясь поздней живописью Малевича, Басманов переосмыслил установки великого авангардиста в собственной серии «Прогулки» (1931-1937).

Жесткие и предельно условные композиционные построения новаторов ИНХУКа в новой трактовке обрели неожиданный лиризм и колористическую тонкость. С дистанции прошедшего времени понятно, что эти скромные миниатюры остаются высоким достижением русской графики ХХ столетия.

Творчество Николая Тырсы, выдающегося рисовальщика, акварелиста и литографа, неразрывно связано с работой Экспериментальной полиграфической мастерской Ленинградского отделения Союза художников. Стремясь к полихромии в литографии, мастер изобретает новые, неожиданные варианты работы (такие, например, как размывка кистью по камню). Три его натюрморта, отмеченные строгим и точным отбором выразительных средств, в 2022 году подарены Галерее Л.А. Токмаковой.

Упрощение формы объектов - характерный прием Николая Лапшина. Но простота его произведений обманчива, все они итог многолетних формальных экспериментов. Поиск «строгой концептной формулы» пейзажа включает в себя и образ, и формальную задачу, и тщательно продуманный колористический строй. Отметим в этой связи такие характерные акварели, как «Волга. Ведерников на палубе» и «Ленинград. Мостик против солнца». В 2005-2010 годах произведения Лапшина поступили в Галерею от коллекционера и исследователя И.И. Галеева.

Владимир Гринберг, как и его соратники, занимался изучением закономерностей восприятия пространства. В серии крымских акварелей он, обобщая форму, сохраняет натурную убедительность, усиливая контрасты планов, подчеркивает интенсивность цвета. Неслучайно искусствовед Николай Пунин назвал Гринберга «художником ума». Акварели приобретены на спонсорские средства «Нексиа Пачоли» у Е.Г. Иткиной, племянницы художника.

Не будем забывать, что и Тырса, и Лапшин, и Гринберг, авторы светоносных пейзажей и натюрмортов, умерли от голода в блокаду.

Вхутемасовец Соломон Боим на войне служил художником политического управления Балтийского флота. Его гуаши из серии «Ленинград в блокаде», исполненные с натуры, переданы в 2020 году из коллекции Международной конфедерации союзов художников, пополнив музейное собрание блокадных рисунков. Вхутемасовка Татьяна Маврина в военные годы работала над большой серией графических пейзажей, в которых запечатлела древние московские храмы. Благородная цель этого рисования - сберечь облик столицы России для потомков. В 2022 году хранитель творческого наследия Мавриной А.Г. Шелудченко передал в дар ГТГ 22 ее работы.

3

Залы выставки, соответствующие послевоенному периоду (1950-1960-е), призваны отразить время, когда художники-графики смогли реализовать собственную творческую программу с новой силой и ясностью. Интересно, что большинство представленных авторов оказались или непосредственно, или через учителей связанными с искусством начала века.

Ветеран русского авангардистского движения Варвара Бубнова провела долгие 36 лет в Японии, продолжая работать как художник. Возвратившись в СССР в 1958 году, она поселилась в Абхазии. На выставке представлены поздние литографии и акварели, в которых натурная убедительность сочетается с условностью формы и цвета. Художница стремилась не только сохранить принципы русской школы, но и расширить изобразительные возможности графического языка, используя традиции восточного искусства.

Гравированные «Сюжеты» Виктора Вакидина, верного последователя и младшего друга Фаворского, создают впечатление, что автора вообще не интересует мотив работы. Его занимают не предметы как таковые, а их взаимосвязи друг с другом и со средой, причем ритмы межпредметных интервалов осознаются как важнейшая композиционная ценность. По его мнению, «композиция - это режиссура».

Работы Вакидина и Бубновой поступили в Галерею в 2021 году из Международной конфедерации союзов художников.

Среди гравюр Юрия Космынина особое место занимает станковая серия, посвященная Борису Пастернаку, его роману «Доктор Живаго» и той ожесточенной травле в советской печати, которой подвергся поэт после присуждения ему в 1958 году Нобелевской премии. Частью композиционного решения гравюр стали газеты с обвинительными статьями. Прямо на газетный текст и проецируется изображение. В 2016 году художник подарил Галерее 38 своих линогравюр и ксилографий.

Свидетельством коренных изменений в творческой жизни страны стало возвращение к беспредметному искусству. Абстрактные рисунки Бориса Турецкого выражают авторское, достаточно парадоксальное чувство реальности. Образно эти листы близки знаменитым «Сигналам» Юрия Злотникова и возникли одновременно с ними. Оба мастера не столько воскрешают принципы 1920-х годов с их стихией творческого изобретательства, сколько заново открывают для себя самодостаточное значение традиционной пластики, взятой вне сюжета, вне литературы. Восемь рисунков тушью, созданных Турецким в его наиболее плодотворный период, были приобретены у В.И. Сухарева в 2009 году.

Рисунки и акварели Виктора Попкова, одного из самых влиятельных представителей поколения, проникнуты драматизмом и одновременно щемящим лиризмом - неповторимой попковской интонацией, во многом определившей качественный уровень искусства конца 1960-х - начала 1970-х годов. Смысл своих поздних новаций Попков характеризовал как «путь среды», когда «не важна компоновка фигур, а важна компоновка целого»[10]. В 2012-2014 годах ряд графических произведений был подарен ГТГ сыном художника А.В. Попковым.

4

Работы в следующем разделе подытоживают весь сложный путь развития советского искусства в 1970-1990-е годы. В этот период различные формы графики активно пропагандировались, показывались на международных выставках, а лучшие авторы в полной мере осознавали свое особое место в мировом контексте, ощущали неразрывную связь с традицией и одновременно стремились реализовать свои экспериментальные возможности. Искусство славной когорты художников, начинавших еще в 1960-х годах, но в полной мере раскрывшихся в следующие десятилетия, составляет основу едва ли не самой красивой и убеждающей части экспозиции.

Замечательный рисовальщик и иллюстратор Май Митурич ощущает себя наследником культуры начала ХХ века, продолжателем традиций своих родителей - выдающихся мастеров Петра Митурича и Веры Хлебниковой, а также дяди - поэта Велимира Хлебникова. Виртуозный портрет «Николь» работы Митурича занимает на выставке особое место - он виден издалека, в перспективе залов, - и как бы соединяет собой историю и современность отечественной графики. Рисунок поступил в ГТГ в 2021 году из собрания Международной конфедерации союзов художников, где ранее находились отборные работы многих авторов позднесоветского времени.

Искусство 1970-х годов непредставимо без эмоциональности и пластической утонченности рисунков Иллариона Голицына. Выбор мотива и импровизация технического приема кажутся на первый взгляд вполне случайными, при этом каждый лист - продуманный творческий жест. Принципы композиционного рисования карандашом унаследованы Голицыным от Фаворского, но раскрывает он их по-своему. В графике его интересуют проблемы живописности (как пространственной целостности), личного пространства человека. Особой глубины Голицын достигает в изображениях членов семьи - дочери Екатерины, сына Ивана - и в замечательных автопортретах.

Владимир Колтунов был не менее верным последователем Фаворского, убежденным сторонником натурного рисования, зорким наблюдателем и выразителем повседневности. Его карандашные композиции, запечатлевшие потоки света на стене или отражение в зеркале, обретают многозначность смыслов, как некие пластические формулы.

Главные модели Колтунова - художники. Их намеренно заостренные, экспрессивные образы способны напомнить нам обстоятельства истории русского искусства. Например, героиня одного из портретов - художница Лидия Александровна Жолткевич, ровесница века, - провела юность во Франции, в знаменитом «Улье», среди мастеров «Парижской школы», а в советские годы стала студенткой ВХУТЕМАСа, ученицей Фаворского, женой выдающегося графика Георгия Ечеистова; прожила долгую жизнь, наполненную творчеством, устраивала у себя рисовальные вечера, на одном из которых ее и запечатлел художник.

На выставке рядом с работами учеников и последователей Фаворского демонстрируется редкая кинохроника (1957-1960), где мастер снят на прогулке, в кругу семьи и друзей. Особенно интересны кадры рисующего и гравирующего Фаворского, сохранившие ритм его движений и атмосферу вдохновенного труда в интерьерах «Красного дома» в Новогирееве.

Для Александра Ливанова натюрморты из серии «Химическая посуда» и интерьеры из серии «Пермские боги» становятся развитием подхода, предложенного предшественниками - Виктором Вакидиным и поздним Дмитрием Митрохиным. В центре внимания Ливанова - преломления света и подвижные тени, рождающие неожиданные пространственные комбинации.

Графические листы представителей движения «Бумажная архитектура» - еще один смысловой узел данного раздела экспозиции. Общая эстетическая программа разных дарований позволяет представлять нескольких авторов вместе. Пространственные и сюжетные метаморфозы «бумажных архитекторов» - пример синтетических возможностей современной графики, объединяющей изобретательность проектировщика с изощренностью рисовальщика и гравера. Организатором, неизменным участником и историографом большинства выставочных акций группы является Юрий Аввакумов. В 2003-2010 годах более 60 проектов поступили в собрание ГТГ как приобретения и пожертвования.

Трагическая реальность жизни страны, неожиданная немощь государства и его развал в 1991 году сказались на самоощущении художников. Среди главных имен этого периода необходимо отметить рисовальщика и офортиста Кирилла Мамонова. Героем его пронзительных графических серий стал Владимир Яковлев, один из лидеров «другого искусства», окончивший жизненный путь в интернате №30 для душевнобольных. Мамонов почитает художника, преклоняется перед его творческим подвигом, взывает к людскому милосердию. В 2005 и 2013 годах в Галерею поступили в дар от автора 13 рисунков и 11 гравюр, созданных в технике сухой иглы.

5

Итоговый раздел (2000-2020-е) претендует не столько на полноту, сколько на точность отбора. Устроителям необходимо было еще раз напомнить зрителю о главных ценностях искусства, поддержанных современными авторами. Возможно, их пластический язык уже не очень похож на работы предшественников. Теперь графика часто принимает самые неожиданные формы, преображая традиционные виды, синтезируя их. Но гуманистический пафос искусства остается прежним...

Владимир Косынкин, вдохновляясь наследием разных эпох, хочет «создать параллель реальности и перекинуть мостик между тем, что нас окружает, и его осмыслением»[11]. В многочисленных композициях на мифологические и аллегорические сюжеты он виртуозно изобретает новые приемы работы с бумагой и графическими техниками и предлагает свой вариант идеи «бумажного рельефа» («бумажной скульптуры»). Произведения Владимира Косынкина поступали в ГТГ в качестве приобретений и даров в 20132019 годах.

Исполненная Галиной Ваншенкиной серия гравюр «Выглядывающие» (2010) выделяется остротой силуэтов, точно выверенными количествами черного и белого, тактильной выразительностью фактуры. Художница так комментирует смысл своей работы: «Стремлюсь к лаконизму, к точности пластической формулировки. Это моя единственная задача»[12]. Ваншенкиной важно представить свою идею в развитии, запустить цепочку ассоциаций и воспоминаний метафизического свойства. Именно поэтому она настаивает на нераздельности своих серий. Сила их воздействия - в полноте раскрытия темы. Акватинты Галины Ваншенкиной поступали в ГТГ дважды: семь были подарены автором в 2015 году, тринадцать приобретены в 2023-м.

Экспериментальные силуэты Ивана Голицына благодаря прорезям, которыми сопровождается каждая композиция, получают на стене теневую проекцию парных персонажей. Среди изображенных «незабытые предки» автора - князья Голицыны с супругами; Иван Ефимов и Нина Симонович-Ефимова, чьи пространственные эксперименты с теневым театром автор рассматривает как прообраз для собственного творчества; Илларион Голицын, отец художника (в трех разных возрастах), - и гравирующий Владимир Фаворский. Все они объединены не только в пространстве, но и во времени. Работы Ивана Голицына были частью приобретены, а частью подарены Галерее автором в 2023 году.

Завершают выставку монументальные листы Олега Кудряшова. Его персональный зал - дань памяти блестящему офортисту и рисовальщику, совсем недавно ушедшему из жизни. Успешно начинавший в 1960-е, он покинул СССР в 1974 году в поисках творческой свободы и более 20 лет провел в Лондоне, а затем вернулся на родину. На крупнейших европейских смотрах он заслуженно имеет место одного из ведущих мастеров современности.

В начале нового века Кудряшов агрессивно работает с пространством, ломая границы между традиционными видами искусства, превращая крупноформатные офорты то в многометровые живописные панно, то в абстрактную цветную скульптуру. Бумага используется и как основа для гравюры, и как материал для перформансов. Рельефы, смонтированные сразу из нескольких гравированных композиций, вступают во взаимодействие с реальным интерьером.

Художник щедро дарил свои произведения в фонды Третьяковской галереи, в 2020 году он передал в дар 67 гравюр, рисунков и бумажных рельефов. И эта коллекция продолжает пополняться: в 2023 году архитектор Сергей Чобан пожертвовал Галерее четыре рельефа и гравюру Кудряшова.

Несмотря на свои внушительные масштабы, выставка «Век графики. От Казимира Малевича до Олега Кудряшова» не претендует на исчерпывающую картину отечественного графического искусства ХХ-ХХ1 веков, но убедительно подчеркивает его главные качества - высокую художественность и глубину творческой мысли.

P.S.
Кирилл Ильющенко

Неожиданная, человечная, наводящая на размышления выставка. То, что должно было стать качественным дежурным музейным мероприятием (презентация новых поступлений в коллекцию графики ХХ века), оказалось на деле вдумчивым высказыванием того поколения, которое будет задавать тон в заметных выставочных проектах в ближайшем будущем.

Кураторы отказались от попытки построить очередную вавилонскую иературу из «великих», «выдающихся» и «известных», не соблазнились они и еще одной сборкой-разборкой ушедшего века на черно-белые пары «правое/левое», «официальное/неофициальное», «столица/провинция» и т.д. Вместо этого удивленному зрителю был предъявлен весьма личный и при этом широкий подход, экспозиционно уравнивающий в правах на зрительское внимание мировых, столичных и просто знаменитостей с обойденными вниманием художниками. При таком одновременно исследовательском и инклюзивном подходе зрителю как бы предлагается самолично протянуть нити преемственности и влияния между и через поколения художественных «семей» и пространства, в данном случае не разделяющие, а соединяющие удаленные друг от друга Москву, Ленинград-Санкт-Петербург и, скажем, Оренбург, самому создать свою собственную систему художественных элементов отечественного искусства.

Все же при всей сдержанности и аполитичности (чего стоит отсутствие на выставке как синклита бодрых советских академиков, так и симметричного ему бомонда нонконформистов) кураторам, на мой взгляд, удалось ненавязчиво выделить линию, которая, похоже, до того не была ясно артикулирована как сквозная и для двадцатого, и, как выясняется, для двадцать первого века. На выставке эта линия отчетливо связывает художников ленинградской пейзажной школы, москвичей-шестидесятников и наших современников. Это линия одновременно простодушной и утонченной работы с натуры, невозможная без живого любопытства и интереса к видимому миру - корня, из которого, возможно, и растет искусство графики.

1. ГСХМ - Государственные свободные художественные мастерские, создавались в РСФСР в 1918-1920-е годы.
2. ВХУТЕМАС - Высшие художественно-технические мастерские, учебные заведения, создавались в Москве, Петербурге, других городах РСФСР с 1918 года.
3. УНОВИС («Утвердители нового искусства») - художественное объединение.
4. Отдел ИЗО Наркомпроса - Отдел изобразительных искусств Народного комиссариата просвещения РСФСР.
5. Родченко А. Опыты для будущего: Дневники. Статьи. Письма. Записки. М., 1996. С. 96.
6. ВХУТЕИН - Высший художественно-технический институт; в Москве организован в результате преобразования ВХУТЕМАСа в 1926 году.
7. ИНХУК - Институт художественной культуры, научно-исследовательская организация в Москве в 1920-1924 годах.
8. ОГПУ - Объединенное государственное политическое управление при СНК СССР, специальный орган государственной безопасности СССР.
9. Н.Я. Симонович-Ефимова - А.И. Ефимову. 22 октября 1931 г. // Н.Я. Симонович-Ефимова, И.С. Ефимов. Театр движущейся скульптуры. М., 2020. С. 234.
10. Выставка Виктора Попкова «Трагичность радостная» к 90-летию со дня рождения Виктора Попкова // https://www.tg-m.ru/news/otkrylas-vystavka-viktora-popkova-tragichnost-radostnaya-v-muzee-zapovednike-abramtsevo
11. Владимир Косынкин. Яков Косынкин. Людмила Путина: Графика. Живопись. Скульптура. М., 2009. С. 10.
12. Галина Ваншенкина: Оттиск личности. М., 2019. С. 132.