Безусловное условно?

Экспозиция «Увидеть неизвестное», открывшаяся 28 марта 2023 года в здании Государственной Третьяковской галереи на Крымском Валу, - вторая часть экспериментального выставочного проекта музея «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное», связанного с концепцией виртуального ресурса «Моя Третьяковка» («My Tretyakov»)[1]. Кураторы Анна Чуркина и Нина Дивова, за плечами которой колоссальный опыт создания самых разных экспозиционных решений, обратились в этом проекте к принципам организации виртуальной цифровой галереи и перенесли некоторые из них в реальность.

На экране монитора при создании подборки изображений проблемы гармоничного соседства произведений разных эпох, стилей, масштаба легко решаются. Оцифровка наделяет подлинный предмет искусства такой степенью отстраненности от его «вещной» сущности, которая дает простор для самых широких аналогий и сближений. В реальности же добиться этого гораздо сложнее. Не случайно выставка «Увидеть неизвестное» была сдержанно принята профессионалами и критикой и не стала одним из экспозиционных «блокбастеров» Третьяковской галереи, хотя успех ее оказался выше, чем у первой части проекта. (В дальнейшем, как предполагается, проект получит развитие в несколько измененном виде на площадках региональных филиалов Третьяковской галереи.)

Обе открывшиеся одна за другой экспозиции примечательны как попытка установить новый формат коммуникации со зрителем: вместо привычных текстовых аннотаций на этикетке экспоната размещен QR-код, ведущий на его виртуальную страничку на ресурсе «Моя Третьяковка» («My Tretyakov»).

Выставочной «перезагрузке» в рамках проекта подверглись богатейшие фонды ГТГ. Для показа были выбраны в первую очередь произведения, которые по разным причинам не попадают в постоянную экспозицию, некоторые работы представлены публике впервые. Деление основной части выставки «Увидеть неизвестное» на разделы по видам искусства и жанрам связано с рубрикатором цифровой платформы «Моя Третьяковка» («My Tretyakov»). Новый принцип показа - вне близких исторических и стилевых параллелей - смещает вектор восприятия экспонатов. Возрастает ценность и значимость отдельного произведения, к каждому из которых на сайте «Моя Третьяковка» («My Tretyakov») опубликован комментарий музейного специалиста. И вместе с тем экспонаты выставки, принадлежащие к разным эпохам, встраиваются по воле кураторов в общий контекст, рождающий новое поле смыслов, где каждый волен «увидеть неизвестное»...

Павел НИКОНОВ. Красный Питер. 2015
Холст, масло. 182 × 500. © ГТГ

Зрителя встречает приковывающая к себе внимание масштабная по размеру (пять метров в длину) и монументальная по характеру исполнения композиция Павла Никонова «Красный Питер» (2015). Ее автор - легендарная фигура отечественного искусства и современный плодотворно работающий художник. Активный участник культурных событий эпохи оттепели, он принадлежит к числу мастеров, с именами которых связывают рождение «сурового стиля». На протяжении десятилетий его творческий почерк не оставался неизменным. Здесь перед нами предстает «новый Никонов»[2] - оригинальный художник-экспрессионист, работающий в рамках фигуративной традиции. На картине хрестоматийно известный вид Петербурга. Однако парадный облик северной столицы запечатлен на полотне отнюдь не тривиально. Живописный язык, далекий от намеренного эстетизма, нарочитой законченности, - широкое движение кисти, свободное нанесение краски (часто с затеками), активная работа цветовых пятен - сообщает сюжетам Никонова выразительную силу. Петербург-Ленинград, прежде возникавший в работах художника в «революционном» обличье, предстает здесь в ином образе.

Ниже картины с изображением смятенного города - скульптурный образ великомученицы Параскевы Пятницы (середина XVIII века), одной из наиболее почитаемых на Руси христианских святых (выставляется впервые). Яркие контрастные цвета, использованные в полихромном декоре скульптуры, прежде всего алая киноварь мафория, соотносят образ святой с масштабной картиной П.Ф. Никонова и другими работами, сгруппированными на одном экспозиционном стенде. Рифмующиеся по цветовому пятну - розовое с розовым, красное с красным - сюжеты словно иллюстрируют самые разные сферы жизни: небесную и земную, привычно-повседневную и исполненную накала страстей.

«Пейзаж с прачками» Александра Шевченко, написанный в революционном 1917 году, - одна из гармонично и тонко решенных композиций и в цвете, и в равновесии пластических масс. Простой, будничный сюжет становится поводом для создания произведения подлинно поэтического.

Собственно живописные задачи более всего волновали и Константина Истомина (в состав выставки включены три его произведения). Выдающийся мастер, незаслуженно забытый на несколько десятилетий и недооцененный, сегодня, хочется надеяться, стал лучше известен не только профессионалам, но и широкому кругу зрителей. (В 2019-2020 годах в ГТГ состоялась персональная выставка его работ.)

Картина Истомина «На террасе» (1928), расположенная на первом от входа выставочном стенде, интересна тем, что живописец не противопоставляет здесь свето-цветовую среду комнаты и ярко освещенного уличного пространства за окном. И интерьер, и экстерьер он решает в ключе целостного восприятия, рифмуя цветовые акценты переднего и дальнего планов.

В «Красной комнате» (1939) Станислав Жуковский, напротив, разграничивает затененное пространство интерьера и залитый лучами солнца пейзаж. И если в работе Истомина видно желание передать свежесть натурного наблюдения, то в композиции Жуковского сильнее строгая выверенность композиции и, может, даже некоторая идеализация прошлого.

Наталия Гончарова, «амазонка» русского авангарда, одна из выдающихся художников-новаторов ХХ века, представлена на выставке работами из «Крестьянского цикла» («Рыбная ловля», 1908; «Сенокос», 1911) и одним из поздних произведений - «Город. Композиция в черном и желтом» (вторая половина 1950-х), в котором на склоне лет она вновь обращается к идеям своего раннего творчества, правда, условный архитектурный пейзаж решен в несколько мрачноватом ключе.

Предельной экзальтацией заряжена картина «Игроки I» (1981) художника-шестидесятника Михаила Никонова, старшего брата Павла Никонова. Тема карточной игры имеет в России давнюю традицию культурного осмысления, она обыграна А.С. Пушкиным в «Пиковой даме» и Н.В. Гоголем в «Игроках». Михаил Никонов в своих композициях, чтобы показать роковую власть игры, подчиняющую себе реальность и управляющую человеком, превращает лица в маски, интенсифицирует цветовые контрасты с яркими всполохами красок на темном фоне, обостряет рисунок. На выставке тема карточной игры повторяется в жанровой сцене «Преферанс» (1879) Виктора Васнецова. Эта работа в творческой биографии художника оказалась последней композицией бытового жанра в духе передвижников.

Обширный выставочный раздел «Архитектурный пейзаж» позволяет проследить, как менялась Москва в течение нескольких столетий.

Федор Алексеев, мастер городского пейзажа, в своей известной работе «Красная площадь» (1801) не только достоверно изобразил все постройки, формирующие архитектурный ансамбль исторического центра столицы, но и запечатлел в стаффажных сценах жизнь горожан. С особой торжественностью на полотне Аполлинария Васнецова «Московский Кремль. Соборы» (1910) сияют купола древних храмов на фоне предгрозового неба.

Одна из самых ярких страниц творчества Аристарха Лентулова посвящена Москве, красоте и своеобразию ее древних памятников. В масштабной композиции «Василий Блаженный» (1913) он поставил перед собой необычную задачу - показать собор сразу со всех сторон, предвосхитив изобразительные принципы 3D-моделирования объема. Схожее желание - выразить и запечатлеть дух древней столицы - двигало Василием Кандинским во время работы над композицией «Москва. Красная площадь» (1916). Ему хотелось создать произведение синтетическое по построению, где были бы соединены разные фрагменты пейзажа, чтобы добиться оркестрового звучания живописного образа.

Экспозиция раздела «Архитектурный пейзаж» предлагает вслед за художниками совершить путешествия в другие города и страны. Италия с ее богатой историей и культурой, прекрасной природой всегда притягивала людей искусства. Сюда традиционно отправлялись пенсионеры Императорской Академии художеств. Настоящим счастьем и исключительной удачей была возможность побывать в Италии и для советских художников. На выставке собраны виды римского Колизея, созданные мастерами в разные века - от Федора Матвеева и Сильвестра Щедрина до Таира Салахова. В работе Федора Матвеева, построенной по законам классицистического пейзажа, пространство четко делится на три плана, и здание Колизея, отодвинутое от зрителя в глубину, предстает в окружении живописного ландшафта. Сильвестр Щедрин, напротив, выбирает близкую точку зрения на древний памятник, смело фрагментируя его. При построении композиции он руководствуется уже не принципами «идеального» пейзажа, а этюдным подходом, перенесенным в картинную форму. Работа Таира Салахова «Колизей ночью» (1979) с лапидарным рисунком и эмоционально насыщенным контрастом цвета заставляет вспомнить принципы театральной декорации, где продуманно выстроено соотношение масштабов и выразительно решено противопоставление света и темноты.

Таир САЛАХОВ. Колизей ночью. 1979
Картон, масло. 50,5 × 69,5. © ГТГ

Нередко художники показывают не только виды городов, где им действительно довелось побывать, но и, следуя своей фантазии, места воображаемых путешествий. К их числу принадлежит «Дворик Альгамбры» (1991) Валерия Кошлякова. Подобно «Красному Питеру» Павла Никонова эта инсталляция композиционно «держит» все окружающее пространство, распространяя свое влияние и на другие части экспозиции, где слышно ее звуковое сопровождение - плеск воды и голоса экзотических животных. Увидеть эту раннюю работу Кошлякова «в действии» - редкая удача, доставляющая истинное удовольствие, как и созерцание других его масштабных проектов. К сожалению, Третьяковская галерея не располагает достаточными площадями для показа некоторых из имеющихся в ее собрании инсталляций в постоянной экспозиции.

На выставке «Увидеть неизвестное» представлены также произведения исторического, бытового и интерьерного жанров. Обращаясь к прошлому, художники стремились воссоздать дух времени, драматизм эпохи («Княжна Прасковья Григорьевна Юсупова перед пострижением» (1896) Николая Неврева), своеобразие и красоту народной жизни («Московские женщины и девушки в церкви (XVII столетие)» (1899) Андрея Рябушкина). Интересным примером обращения к европейской истории является картина Карла Гуна «Сцена из Варфоломеевской ночи» (1870), написанная художником во Франции. С впечатляющей достоверностью он воссоздает предметный мир того времени, погружая зрителя в атмосферу Парижа XVI столетия. Трагичность происходящего усилена за счет выразительности компоновки фигур и жестов героев, что выдает определенное влияние театра на историческую живопись.

В разделе бытового жанра примечательное место занимают сцены, связанные с миром не только взрослых, но и детей. Особый взгляд на эту тему отличает творчество Василия Перова, одного из ведущих мастеров русской живописи 1860-1870-х годов. Его юным героям уже известны многие тяготы жизни, оттого такое щемящее чувство вызывают созданные им детские образы («Спящие дети», 1870).

Для выставки отобраны две интересных работы на сюжеты из школьной жизни детей. Необычайно занимательная и мастерски исполненная картина Николая Богданова-Бельского «Устный счет. В народной школе С.А. Рачинского» (1895) в известной мере автобиографична. Сергею Александровичу Рачинскому, уникальному человеку и педагогу, отказавшемуся от кафедры в Московском университете и открывшему школу для крестьянских детей в своем имении в Смоленской губернии, будущий художник был многим обязан. Благодаря поддержке С.А. Рачинского он получил «путевку в жизнь» – возможность учиться и расти как профессионал. Добившись известности как живописец, Николай Богданов не забывал своего первого наставника, которого изобразил здесь в окружении учеников – простых крестьянских детей. Свободно передвигаясь по классной комнате, ребята вычисляют в уме значение выражения, записанного на доске и вошедшего позднее в учебники как «последовательность Рачинского».

Доверительной и живой атмосфере этого полотна противопоставлена исполненная внутренней напряженности, мастерски написанная композиция Эмилии Шанкс «Новенькая в школе» (1892). Эта работа менее известна зрителям, как, впрочем, и имя ее создательницы, талантливой выпускницы Московского училища живописи, ваяния и зодчества, первой женщины – члена Товарищества передвижных художественных выставок[3].

В раздел бытового жанра вошли несколько выразительных портретов-типажей (такой вид живописных композиций получил особое развитие в творчестве Василия Тропинина, его «Гитарист» (1823) также присутствует на выставке). В картине Василия Поленова «Стрекоза (“Лето красное пропела…”)» (1875–1876) создан не просто портрет конкретного лица, а определенный психологический тип.

Раздел бытового жанра на выставке охватывает XVII – начало XXI века. Неожиданные решения предложены кураторами в центре экспозиции этого раздела. На отдельный стенд помещена картина Казимира Малевича «Сестры» (1930). Она нередко присутствует в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, но, будучи вынесенной в зал искусства 1930-х годов, привлекает к себе меньше внимания, чем более ранние знаковые композиции мастера, обычно представленные вместе. Здесь, на выставке «Увидеть неизвестное», картина «Сестры» стала одной из центральных работ экспозиции. (Именно этот сюжет был выбран для масштабного баннера и обложки буклета.)

Сам мэтр предлагал воспринимать эту композицию в контексте этапов его стилевой эволюции, о чем свидетельствует пространная надпись на обороте холста, где он упоминает кубизм, сезаннизм и импрессионизм. Интересно, что авторскую дату – 1910 год – специалисты по творчеству Малевича считают не соответствующей реальному времени создания произведения[4]. И действительно, в пространстве экспозиции картина «Сестры» вдруг обнаруживает родство колористического строя с другой работой 1930-х годов – композицией «Праздничный вечер в парке культуры» (1936) Александра Шевченко.

Еще один кураторский эксперимент, реализованный в экспозиции, – прямое сопоставление схожих композиционных мотивов, чье живописное воплощение разными авторами дает совершенно несхожий художественный результат. Изображение лодок на воде в картине «Молчание» (1903) Михаила Нестерова и на полотне «Озеро» (1910) Василия Кандинского является одним из важных пластических элементов композиции. Но если в первом случае работа исполнена ощущения покоя, созерцательности, самоуглубления, внешней и внутренней гармонии, то во втором – активного движения, общей динамики форм, эмоциональной остроты цвета.

Столь же неожиданно сопоставление двух пар героев (он и она) в изображении мастера XIX столетия Евграфа Сорокина («Свидание», 1858) и художника ХХ века Петра Вильямса («Весна. Портрет А.С. Мартинсон и А.Д. Понсова», 1947). За спиной Сорокина - блестящая академическая школа и романтическая традиция, характерная для трактовки сюжетов «итальянского жанра», у Вильямса - опыт формальных экспериментов ОСТа (Общество художников-станковистов) и обширная практика работы в театре. Мотив один, а его художественное воплощение совершенно различно. Таковы причудливые пути искусства...

Отдельную часть выставки «Увидеть неизвестное» составляет раздел скульптуры. Третьяковская галерея по праву гордится своей обширной и исключительной по художественному качеству коллекцией пластики. Принцип соседства экспонатов здесь столь же свободен, как и в разделе живописи. Между отдельными произведениями подчас выстраиваются неожиданные связи. Бюст Екатерины II (1772) работы Бартоломео Кавачеппи размещен в пространстве таким образом, что императрица, кажется, смотрит на своего фаворита Григория Орлова, образ которого запечатлел в 1782 году Федот Шубин. В этом же зале необычно соседство трагической фигуры Мефистофеля, уменьшенной авторской копии знаменитой скульптуры Марка Антокольского, и трогательной сцены детских забав - «Без няньки» (1884) Павла Каменского.

Шестью произведениями представлено на выставке творчество скульптора- анималиста Алексея Сотникова. За долгие годы работы на Дулевском фарфоровом заводе (изображение его скульптуры «Сокол» было выбрано знаком этого предприятия) ему удалось в фарфоре создать пластику, по своей выразительности сравнимую с произведениями из традиционных скульптурных материалов. Его анималистические и жанровые работы органично смотрятся в зале рядом с геометрическими стилизациями Игоря Шелковского - частью проекта «ГОРОД ДОРОГ», исполненного им в 2017 году для ГТГ. Самые широкие возможности скульптуры демонстрируют произведения других авторов, показанные в непосредственной близости: участников группы ЛеСС[5] Владимира Лемпорта и Николая Силиса или мастеров соц-арта Леонида Сокова и Александра Косолапова.

Экспозиция выставки «Увидеть неизвестное» дополнена еще одним смысловым акцентом. Обособленно размещена картина Сергея Иванова «Мужчина с тростью» (1922), с которой связана почти детективная история. С 1922 года у племянницы художника хранился вал с накатанными на него полотнами дяди. Снять их с вала удалось только 100 лет спустя. В числе открывшихся произведений оказалась и картина«Мужчина с тростью», которая была приобретена в коллекцию ГТГ на средства, полученные от дохода фонда целевого капитала. Формировать фонд помогают в том числе пожертвования пользователей ресурса «Моя Третьяковка» («My Tretyakov»).

Коллекции Галереи таким образом пополняются на наших глазах. И этот экспериментальный проект - попытка увидеть совершенно новый музей, который рождается из богатейшего собрания Государственной Третьяковской галереи.

1. Виртуальный проект «Моя Третьяковка» (https://my.tretyakov.ru), работа над которым началась в Галерее в 2020 году, был открыт для широкого доступа в 2021-м и с тех пор продолжает свое развитие. За это время запущена версия сайта на английском языке - «My Tretyakov». Число произведений из собрания ГТГ, доступных для ознакомления, уже превышает 7000. В настоящее время раздел «Коллекция» на официальном сайте ГТГ направляет посетителей на указанную цифровую платформу, где планируется со временем разместить сведения о большей части музейных коллекций. Этот ресурс дает возможность любому пользователю сети Интернет не только познакомиться с шедеврами, хранящимися в Галерее, получить новые сведения о произведении и его авторе, составить собственную цифровую подборку понравившихся изображений, но и принять посильное финансовое участие в будущем пополнении собрания Третьяковской галереи. Поступившие через эту платформу пожертвования направляются в фонд целевого капитала, на средства которого осуществляются новые приобретения.
   О первой части проекта рассказывают публикации, помещенные в журнале «Третьяковская галерея» в 2022 году:
   Трегулова З. [О проекте «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное. Часть 1»] // Третьяковская галерея, 2022, №4. С. 4-5;
   Карпова Т. Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное // Третьяковская галерея, 2022, № 4. С. 6-35.
2. «Новый Никонов» - название выставки, организованной в Государственном музее А.С. Пушкина в конце 2018-го - начале 2019 года, стало едва ли не нарицательным в качестве обозначения протяженного периода творчества художника, охватывающего последние десятилетия работы.
3. В последнее время фигуры сестер-художниц Эмилии и Марии Шанкс выходят из тени забвения благодаря недавним публикациям: ТулиноваЮ. Русские англичанки в рядах передвижников: Эмилия и Мария Шанкс // Третьяковская галерея, 2022, №3(76). С. 76-99; Тулинова Ю., Ватсон Е. Эмилия и Мария Шанксъ. Русские художницы с британскими корнями. М., 2023.
4. В академическом каталоге собрания ГТГ картина К.С. Малевича «Сестры» датирована 1930 годом. См.: Государственная Третьяковская галерея. Каталог собрания. Живопись первой половины ХХ века. Т. 6. Кн. 3. М., 2022. С. 55.
5. В группу ЛеСС входили скульпторы Владимир Лемпорт, Вадим Сидур, Николай Силис.