Мастера и традиции

Российская академия художеств продемонстрировала высокую творческую результативность в области многогранной музейно-выставочной и научно-просветительской деятельности, осуществленной в течение первой половины текущего года. Десятки экспозиций современного отечественного и зарубежного искусства были организованы в залах академии, в Галерее и Московском музее современного искусства Зураба Церетели, в других выставочных центрах столицы и городов нашей страны. Многоцелевая программа духовного воспитания, расширения эстетического кругозора граждан активно воплощается в жизнь.

В последние годы государство уделяет искусству все более заметное внимание, что, несомненно, вызвано осознанием приоритетности науки и культуры, ясным пониманием роли научной и творческой интеллигенции в формировании общенациональной концепции динамичного развития общественного сознания, духовного единения народов России. Решение премьер-министра Российской Федерации В.В. Путина об увеличении выплат действительным членам и членам-корреспондентам РАН и отраслевых академий, в числе которых и Российская академия художеств, стало еще одним реальным проявлением заинтересованного отношения к деятелям науки и культуры, оценкой их вклада в реализацию новой государственной политики. Это поддержка и создание необходимых условий для роста интеллектуального и творческого потенциала отечественной науки и культуры.

Крупные выставки минувшего года, посвященные 250-летию Российской академии художеств и 50-летию Союза художников России, многочисленные экспозиции, предшествовавшие этим юбилеям и сопровождавшие их, во многом способствовали возрождению в современном обществе интереса к искусству, к нашему великому духовному наследию.

Однако не только масштабные, коллективные или музейные выставочные акции определяют сегодня отношение государства и миллионов зрителей к проблемам и перспективам развития отечественного искусства, но и персональные экспозиции как признанных мастеров живописи, скульптуры, архитектуры, графики, так и молодых авторов — представителей нового поколения творческой интеллигенции.

Благодаря индивидуальным показам зритель получает возможность определиться с эстетическими предпочтениями, свободно проявить свой выбор. Выставки особенным образом воздействуют на публику, способствуют формированию вкуса, расширению духовного кругозора, персонифицируют наше художественное восприятие. Прямым свидетельством этого стали экспозиции работ авторов, чье творчество формировало и формирует современную культурную среду, является неотъемлемой частью, векторами развития российского изобразительного искусства. В залах Академии художеств в Москве на Пречистенке зрители вновь встречались с давно знакомыми мастерами и открывали для себя новые имена. За последние месяцы здесь были представлены произведения В. Мочалова, В. Калинина, А. Шмаринова, М. Курилко-Рюмина, Б. Мессерера, И. Обросова, И. Голицына, А. Пахомова, Л. Шепелева, М. Шагинян и О. Качарова — художников, творчество которых отмечено неповторимыми индивидуальными качествами, особенностями образ ной драматургии и, конечно, самобытным талантом, высоким профессионализмом.

Краткий обзор не позволяет дать подробный анализ персональных показов, привести сравнительные характеристики особенностей авторского почерка и творческого дара каждого экспонента. Впрочем, в этой статье такие задачи и не ставятся; здесь важнее напомнить об этих выставках, закрепить в памяти наиболее существенные особенности художественной системы, которая подчеркивает самобытность каждого мастера.

Бурлески, ироничные, остроумные графические портретные изображения персонажей с удивительной точностью и блеском выполненные в технике шелкографии Мочаловым соседствовали с пастозной, хлесткой живописью нового романтизма Виктора Калинина — автора психологических образов и метафорических композиций, отмеченных глубоким, искренним чувством и своеобразием пульсирующей полифонии цвета.

Иная драматургия и эмоциональная составляющая, другая манера письма присущи полотнам Льва Шепелева. Сдержанный многослойный колорит усиливает впечатление неторопливого течения времени в жанровых композициях и пейзажных мотивах, запечатленных проницательным художником, склонным к философскому восприятию мира. У Шепелева превалируют лирико-эпические интонации, за которыми скрыта внутренняя экспрессия, постепенно наполняющая его произведения неоднозначным ассоциативным звучанием.

Каждому из авторов, представленных в залах академии, свойственно образное восприятие сущего, обусловленное жизненным и профессиональным опытом, верностью определенным традициям и школе, творческой интуицией и мастерством. Их искусство расширяет горизонты видения действительности, отношения к прошлому, постижения противоречивой картины бытия, приобщения к духовным истокам современной цивилизации. Оно помогает нам понять саму природу творчества, почувствовать ее преобразующую вдохновляющую силу. В одних произведениях мы видим стремление художников отобразить неиссякаемую красоту живой природы, в других — раскрыть амбивалентность чувств и переживаний, любви и страданий, страстей человеческих.

Выставки несут в себе не только эстетические, но и образовательные функции. Так, творческое наследие Оскара Качарова открывает возможность проследить эволюцию художественного мышления мастера, конверсию изобразительного, пластического языка и систему цветоязыка живописи. Он оставил после себя сложную систему, связанную с функциональной эстетической заданностью подхода к колористическому, композиционному решению картинной плоскости. Его работы стали продолжением экспериментов и открытий М. Матюшина и К. Малевича. Изучение энергии цвета, «цветописи» привело Качарова к необходимости поиска новых минималистских средств конструктивного решения образно-пластических задач в живописи, позволило разработать собственную «азбуку» колористического, содержательного языка образного самовыражения, исключительность и одновременно универсальность которого составляют концептуальную основу его теоретической и практической деятельности последних лет. Наряду с принципиальными для автора произведениями в экспозиции были представлены и полотна 1950-х — 1970-х годов. Они позволяют судить о процессе расширения диапазона формальных живописно-пластических задач, способствовавших усилению метафизических тенденций в искусстве Оскара Качарова, создавшего свою формулу «числа и циркуля», цвета и формы.

Другие чувства и впечатления рождают акварели Алексея Шмаринова — одного из самых последовательных приверженцев этой удивительной, сложной и изысканной техники живописи. Сын блестящего русского художника, выдающегося иллюстратора отечественной и мировой классики Дементия Шмаринова, Алексей унаследовал от отца одухотворенное представление о красоте и гармонии, трепетное отношение к реалистическим традициям национального искусства, к наследию А. Саврасова, И. Шишкина, И. Левитана, других великих мастеров. Его работы обладают неповторимым очарованием и эмоциональной выразительностью. Отмеченные виртуозностью исполнения, передачей нюансов состояний пейзажных мотивов, световоздушной среды произведения Алексея Шмаринова завораживают зрителя. Прозрачная глубина изобразительного пространства рождает в воображении бесконечные поэтические ассоциации. За внешней созерцательностью постепенно раскрывается глубокое чувство сопричастности художника к неброскому великолепию родной земли, ее неповторимому очарованию. Он пишет свои акварели с упоением и страстью, мастерски передавая поразительные эффекты восходов и закатов, дремучих чащоб и бескрайних полей, зеркальной глади озер и речной зыби. Глядя на эти работы, мы погружаемся в наполненный таинственной красотой мир природы, оказываемся околдованными пьянящими ароматами трав и цветов, узорами ветвей и листвы, солнечными лучами, пробивающимися сквозь кроны деревьев.

Произведения Шмаринова — высокий пример верности традициям реализма, провозглашающим правду жизни и искусства. Он является достойным представителем замечательной плеяды художников, олицетворяющих духовное богатство нашей культуры.

Игорь Обросов — живописец и график со своей гражданской позицией, своими ценностными ориентирами и моральными принципами. Его искусство отмечено глубиной духовного сопереживания драматическим судьбам и трагическим событиям в истории Отечества. Боль души, мучительные нравственные вопросы звучат в картинах, посвященных русской деревне, людям, прошедшим через страшные испытания в годы сталинских репрессий, выжившим или погибшим. Это реквием по жертвам и героям беспощадного времени. Творчество мастера, по словам искусствоведа Марии Чегодаевой, воспринимается как исповедь и покаяние.

Основные цвета палитры художника — черный и белый. На их соотношениях строится сложная гамма чувств, выражающих образную драматургию эпических, пронзительных работ. Многие картины Обросова автобиографичны, обращены к воспоминаниям далеких лет. Наряду с сюжетно-тематическими полотнами художник выставил галерею образов современников и исторических личностей, среди которых портреты поэтесс Юлии Друниной и Беллы Ахмадулиной, художников Бориса Мессерера и Иллариона Голицына.

Игорь Обросов — один из ярких представителей «сурового стиля», поколения шестидесятников, людей такого творческого масштаба, как Виктор Попков, Николай Андронов, Павел Никонов, олицетворяющих целую эпоху в нашем искусстве. Его картины, портреты, пейзажи и натюрморты стали выражением мужества и воли, страданий и любви.

В ряду значительных персональных экспозиций в академии широкий общественный резонанс вызвала выставка произведений Бориса Мессерера — художника универсального дарования, мастера сценографии, дизайнера, неповторимого живописца и графика. Он автор декораций и костюмов к десяткам спектаклей, поставленных известными режиссерами современности Б. Покровским, Л. Якобсоном, А. Эфросом, В. Плучеком, Е. Симоновым, Ю. Завадским, О. Ефремовым, Г. Волчек...

Разработанные им изобразительные решения сценического пространства к балетам Д. Шостаковича, С. Прокофьева, Р. Щедрина, А. Хачатуряна принесли художнику международную известность. Борис Мессерер работал в Большом театре, в «Современнике», в Театре на Малой Бронной, в Театре имени В.В. Маяковского, Театре Сатиры, в МХТ имени А.П. Чехова, Театре имени Моссовета, в театрах Санкт-Петербурга, Баку, Тбилиси, Киева... Сценические подмостки, огни рампы стали для выпускника Московского архитектурного института пропилеями в большое искусство. И это неслучайно — с рождения он был окружен миром театра. Отец художника Асаф Михайлович — знаменитый танцовщик и балетмейстер, мать Анель Судакевич — актриса, художник по костюмам. Домашняя среда, в которой все дышало творчеством, с ранних лет воспитывала и формировала талант мастера.

Его друг и духовный единомышленник писатель Василий Аксенов отмечал: «Среди множества театральных декораций, произведений живописи, графики в творческом активе Бориса Мессерера есть еще один шедевр. Его чердак на Поварской. Здесь на уступах мессереровских декораций возникла идея свободного альманаха “Метрополь”». В этом издании вольнодумство интеллигенции превратилось в духовный манифест творческого авангарда, яркими представителями которого были Белла Ахмадулина, Владимир Высоцкий, Василий Аксенов, Фазиль Искандер и другие талантливые и отважные люди, олицетворяющие совесть нашей культуры.

Борис Мессерер привнес в театрально-декоративное искусство свой стиль, сумел объединить различные традиции, вдохнуть в них новую жизнь. Его оформление классических и современных спектаклей отличается конструктивной логикой изобразительного языка, музыкальной архитектоникой ритмов, образующих пространственно-содержательную среду театрального действа.

Создавая образные порталы крупных музейных экспозиций (таких, как «Москва—Берлин» в ГМИИ имени А. С. Пушкина, «Сто и двенадцать стульев» в Государственном Историческом музее), он трансформирует композиционные и пластические приемы, находит неожиданные концептуальные решения.

Несомненный интерес представляют станковые живописные и графические работы, инсталляции мастера. В них неизменно присутствуют театральное начало и архитектурное видение пространства. Один из излюбленных жанров Мессерера — натюрморт. «Тихая жизнь вещей и предметов» в его картинах и графических листах превращается в особое мироощущение — порой элегическое, не лишенное ностальгической меланхолии, порой исполненное внутреннего напряжения и драматизма. Художник, как правило, изображает атрибуты ушедшего быта — керосиновые лампы, утюги, граммофоны, бутыли. Не меняя очертаний предметов, сохраняя их силуэты, он каждый раз наделяет эту домашнюю утварь новым звучанием и смыслом благодаря изменениям цветовой и ритмической партитуры. В этих произведениях Мессерер абсолютно независим от сюжетной фабулы, от либретто, от текста конкретной пьесы; именно в них его творческая натура, фантазия, созерцательные размышления о минувшем и настоящем раскрываются в своей философской глубине и эстетической самоценности.

Выставка театрально-декорационных работ, эскизов декораций и костюмов, макетов другого мэтра — Михаила Курилко-Рюмина — открыла зрителям творчество, глубоко связанное с классическими традициями отечественной сценографии.

Он родился в Петрограде в семье художника Михаила Ивановича Курилко, воспитавшего целую плеяду блестящих мастеров театра. Это был удивительный человек, замечательный педагог, тонкий ценитель прекрасного, страстный коллекционер. Семейная атмосфера способствовала органичному приобщению к искусству, воспитанию благоговейного отношения к творчеству. Он видел постановки отца — художника многопланового, одного из классиков сценографии — слышал его яркие, остроумные рассказы о театральной жизни и унаследовал бескорыстную преданность и любовь к театру.

Вернувшись с фронта, Курилко-Рюмин поступил во Всесоюзный институт кинематографии, после окончания которого пришел в театр. С тех пор им оформлено более 140 спектаклей в отечественных театрах и за рубежом. Он — эрудит, блестяще знающий историю искусства, литературы и драматургии, превосходный сценограф и тонкий лирический живописец, автор настроенческих пейзажей. Театр для него — сама жизнь, сфера бесконечного вдохновения и открытий. Эскизы декораций и костюмов Курилко-Рюмина отмечены глубиной образного проникновения в эмоционально-содержательную ткань спектакля, изысканным вкусом, пониманием специфики материала. Используя традиционные приемы и элементы изобразительного решения коробки сцены, задника, кулис, освещения, мастер вникает в индивидуальную концепцию режиссуры оперной или балетной постановки, трагедии или комедии. Процесс его работы непосредственно связан с замыслом режиссера, с актерским составом. Любой спектакль, где Михаил Михайлович выступает в роли художника-постановщика, предварительно мысленно «проигрывается» им от начала до конца, поэтому каждый его театральный образ имеет свою колористическую заданность, эмоциональную интонацию, рисунок движения, жеста.

Присущие художнику безупречное владение всем арсеналом выразительных средств, индивидуальность творческого мышления — совокупность собственного таланта и уроков мастерства, полученных от отца и таких великих сценографов, как В.Ф. Рындин, А.Г. Петрицкий, С.Б. Вирсаладзе... Выставка произведений Курилко-Рюмина еще раз подтвердила высокий авторитет мастера в профессиональной среде, место и роль его творчества в развитии современного российского театрально-декорационного искусства, в сохранении удивительного богатства классических традиций сценографии, в воспитании молодого поколения художников сцены.

Посмертная выставка произведений Иллариона Владимировича Голицына — несравненного мастера живописи и графики, самобытного скульптора, человека во всех отношениях талантливого, неординарного — представила яркую, масштабную личность в отечественном изобразительном искусстве. Великодушный к другим, Голицын относился к себе с максимальной требовательностью. Как художник, он всегда ставил перед собой сверхзадачу, которую поэтически точно определил в стихотворении, посвященном матери: «Соизмеримый образ как добыть / Чтоб был второй подобный и нетленный.» В этих строках заключена чеканная формула, определяющая его отношение к своему призванию и труду. Потомок древнего российского княжеского рода (о чем никогда не говорил), Голицын был и остается аристократом духа, человеком возвышенным и благородным.

Его работы наполнены музыкой цвета, редким очарованием, одухотворенностью. Пятно, линия, штрих, размывка в монохромных графических листах рождают ощущение глубины, объема, движения. Мастерски выполненные рисунки, портретные образы, пейзажи обладают изысканной свободой самовыражения и психологизмом. Творчество Иллариона Владимировича можно с полным правом охарактеризовать словами великого Леонардо — «гармония пропорций», которые следует толковать в конкретно профессиональной и философской значимости. Ученик В.А. Фаворского, Голицын с большим тактом и уважением относился к заветам этого замечательного художника XX века. Будучи его духовным последователем, Голицын вместе со своими единомышленниками А. Бородиным и Г. Захаровым продолжил традиции московской школы, обогатив ее новыми образными открытиями, самобытным пластическим языком, актуальным содержанием и нравственным смыслом.

Лучезарными полотнами, искрящимися красками поразила зрителей выставка работ Мирэли Яковлевны Шагинян — художника, отличающегося неиссякаемым оптимизмом. В свои 90 лет она не перестает радоваться жизни, удивлять и радовать коллег и почитателей ее таланта. Искусствовед Юлия Петрова в статье о Шагинян писала: «Три страсти владели ею — любовь к живописи, Коктебелю и Африке». Непосредственность творческого видения мира выделяет идиллические картины мастера, наполненные энергетикой доброты и счастья. Ее честное, искреннее искусство обращено к простым чувствам людей, умеющих ценить жизнь, солнечный свет и запах моря, воспринимать каждый новый день как праздник.

Творчество художника Андрея Пахомова, выпускника графического факультета Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, представлено в залах академии графическими и живописными работами, созданными за минувшие 15 лет. Его отец Алексей Федорович Пахомов вошел в историю россиийского изобразительного искусства как блестящий иллюстратор детской книги, классических произведений русской литературы, автор серии литографий «Ленинград в дни блокады», замечательных полотен, написанных еще в далекие тридцатые годы.

Андрей Пахомов стал достойным преемником традиций петербургской (ленинградской) школы, внес существенный вклад в ее развитие. Его произведения — образец высокой профессиональной культуры, вдохновенного мастерства и образности. Живописные полотна художника демонстрируют богатство и разнообразие изобразительных приемов и содержательной концепции творчества. В станковой и книжной графике он подлинный виртуоз, способный в литографии органично использовать выразительные особенности рисунка пером и карандашом, возможности офорта и других печатных техник. Ему подвластны и романтическая поэзия, и гротеск.

Произведения Андрея Пахомова давно привлекли внимание коллекционеров, галеристов и музейщиков, его работы вошли в коллекции музея Виктории и Альберта в Лондоне, Альбертина в Вене, Кабинета гравюр в Дрездене, в другие всемирно известные государственные и частные собрания.

Выставочная эстафета продолжает раскрывать новые горизонты современного искусства России, опережая время.