Обитаемые острова

Выставочный проект осуществляется при поддержке концерна ДаймлерКрайслер АГ.

Выставка, которая состоится в феврале-марте 2006 года в Государственной Третьяковской галерее, и изданный к ней альбом посвящены юбилею галереи. Они подготовлены в рамках художественного проекта «Обитаемые острова» (автор проекта - Анна Намит), являющегося совместной благотворительной миссией правительства Москвы, Министерства культуры и массовых коммуникаций РФ, Третьяковской галереи и международного концерна ДаймлерКрайслер АГ, традиционно поддерживающего искусство по всему миру.

Экспозиция представляет творчество пятнадцати художников: живописцев - Натальи Глебовой, Николая Ватагина, Екатерины Корниловой, Дмитрия Крымова, Ивана Лубенникова, Виктора Русанова, Льва Табенкина, Натальи Толстой, Татьяны Файдыш и скульпторов - Михаила Дронова, Геннадия Воронова, Валерия Епихина, Анатолия Комелина, Виктора Корнеева, Елены Суровцевой. Все они - крупные мастера, получившие международное признание, работающие остро и современно, незаурядные индивидуальности, стилистически непохожие друг на друга, и одновременно сверстники, родившиеся в 50-х годах прошлого столетия.

Эти художники начинали работать в конце 1970-х - начале 1980-х годов и, согласно логике, должны были стать следующим после «семидесятников» поколением «восьмидесятников». Но случилось иначе. Перестройка, распад Советского Союза, крушение Союза художников СССР самым радикальным образом изменили жизнь российского искусства.

Разрушение устоявшегося уклада и норм, ощущение свободы как вседозволенности, когда невозможное превращается в возможное, отказ от традиций и ценностей выплеснули на поверхность невероятное множество художественных и околохудожественных проявлений и инициатив. Вышел из подполья и тем закончился андеграунд. По сути, иссяк обличительный пафос соцарта (как ни странно, все еще продолжающийся, очевидно, во имя сохранения имиджа его авторов); завершившийся в 1980-х годах чисто западный поп-арт неожиданно возник как некое русское новообразование на выставке 2005 года в Москве. Многочисленными концептуальными группировками пышно расцвел постмодернизм.

Нетерпимость и декларативность новейших, «актуальных» течений, присвоивших себе исключительное право называться «современным искусством», их стремление монополизировать свое направление привели к возникновению парадоксальной ситуации, когда те, кто провозглашал себя нонконформистами, адептами «другого» искусства, превратились ныне в официальных художников. В обыденном сознании даже стало складываться представление о том, что пластическое, изобразительное искусство вообще закончилось.

Разобраться в том, что происходило в нашей культуре последние двадцать лет непросто не только любителям, но и профессионалам - художникам, искусствоведам, исследователям. Должно быть, нужна некая временная дистанция, чтобы взглянуть извне на наше «сегодня».

Однако и сейчас понятно, что искусство конца ХХ - первых лет XXI века - это большой пласт сложной и противоречивой культуры закончившегося столетия, что всевозможные разновидности постмодернизма - лишь видная широко и шумно популяризирующая себя часть айсберга, который таит и многое другое. И прежде всего - принадлежащее миру нашей культуры, никуда не исчезнувшее профессиональное искусство, сохранившее пластическую школу, продолжающее традиции.

Нельзя сказать, что участники выставки «Обитаемые острова» - неизвестные художники. Наоборот. Их имена и их творчество давно известны профессионалам и ценителям в своем отечестве и еще более - за рубежом. Но впервые они решили собраться вместе на большой серьезной выставке - представители поколения, не вошедшего в историю искусства как «восьмидесятники». Впрочем, в экспозиции показаны произведения не 1980-х годов, а в основном созданные в 2000-х. Таким образом, в юбилейном году Третьяковская галерея, пытающаяся осмыслить свой 150-летний путь, представит сегодняшнее, живое, полнокровное искусство. И это будет непосредственным продолжением традиций Павла Михайловича Третьякова, поддерживавшего современных ему художников, собравшего бесценную коллекцию их произведений, решительно повлиявшего на развитие русского искусства не только второй половины Х1Х, но и следующего, ХХ века.

Пятнадцать крупных мастеров, конечно, не исчерпывают всего качественного искусства современной России. Но эти пятнадцать собрались не случайно. Они принципиально не «группа». Они давние единомышленники, с уважением относящиеся друг к другу, объединенные приверженностью пластической школе и профессиональному ремеслу, кругом общения. В остальном они очень разные, самостоятельные люди, обладающие, пользуясь словами Е. Баратынского, «лица необщим выраженьем». Каждый индивидуален. Как остров. Пятнадцать «островов» - это уже своего рода «архипелаг», противопоставляющий человечность беспределу нигилизма.

Тема своих корней, своей земли, дома, семьи так или иначе звучит в произведениях почти каждого из участников выставки. Но у Натальи Глебовой она основная. Ее пронизанные светом и воздухом пейзажи наполнены благодарной Любовью ко всему, что она видит, слышит, ощущает.

Наталья ГЛЕБОВА. Улица Воронцово Поле. 2004
Холст, масло. 120×90

Почерк Николая Ватагина, его живописные пластические вариации в двух- и трехмерном пространстве всегда узнаваемы. Он пишет «пейзажные портреты» дорогой его сердцу Москвы, портреты близких людей - как потребность глубинного общения с человеком. Режет из дерева живые, выразительные, не скрытые флером величия фигуры русских писателей.

Изысканны и разнообразны по стилю и подходу к решению сюжетов и тем картины Екатерины Корниловой. То тяготеющие к повествовательности и документалистике, то визуальные пасьянсы затейливых образов, создающие орнаментальные ритмы или явно апеллирующие к старым мастерам живописные вариации.

В своих произведениях театральный художник Дмитрий Крымов использует сложную технику: сочетание живописи, коллажа, ассамбляжа, зеркал. Его картины завораживают пиршеством цвета, почти византийским сиянием, драгоценностью фактуры и тонкой режиссурой действия в пространстве картины.

Неизменные герои картин Ивана Лубенникова - люди, столкновение их с беспокойным современным миром. Своих персонажей он прописывает крупным планом, фиксируя их внешний и внутренний облик неравнодушно, заинтересованно, внимательно, словно приглашая зрителя на диалог с ними. В последние годы художник все больше обращается к классическим жанрам: замечательным «обыденным» натюрмортам, изредка пейзажам, непростому, очень личному жанру «ню».

Картины Виктора Русанова, пропитанные классической традицией, напоминают витражи или мозаичные панно, поражающие своей логичной стройностью, чистотой и музыкальностью. Крым, являющийся для мастера источником художественных образов, предстает в его творчестве не похожим ни на какой другой.

«Художник почти всегда напоминает некоего первооткрывателя новых островов, континентов, миров, галактик», - определил Лев Табенкин свое кредо. Он создает свой мир, далекий от античной гармонии, делая зримыми те образы, которые рождаются у него в контакте с действительностью: словно вылепленные из живописной массы, значительные, самодостаточные, убедительно жизненные.

В отличие от других участников выставки, работающих в фигуративном искусстве, Наталья Толстая и Татьяна Файдыш уже давно обратились к абстрактным формам.

Наталья Толстая склонна к простым пластическим и композиционным решениям. Она намеренно «геометризирует» пространство, создавая лаконичные иероглифы форм: линии, точки, полосы, круги, спирали, квадраты, кресты. Работает она и в технике коллажа, используя фотографии, металл, ткани, фрагменты предметов. Ее искусству присущ артистический эстетизм, открытость, наполненность яркими красками.

Живопись Татьяны Файдыш - глубоко личная, эмоциональная, часто драматическая - состояние души. Это геометрически знаковый, плоскостной, декоративный ирреальный мир, обращенный не к разуму, но к потаенным чувствам, к подсознанию. В пространстве ее холстов форма и цвет конфликтуют, пульсируют, проживают свою напряженную, яркую, подчас трагическую жизнь.

Скульптурная часть выставки представлена именами художников, занимающих сейчас лидирующее место в московской пластике. Следует отметить, что в эти смутные для искусства десятилетия скульптура не только не утратила достижения «семидесятников», но обрела новые сущностные и пластические качества и, прежде всего, в творчестве нынешних пятидесятилетних. Так уже не раз было в истории: скульптура, будучи по природе своей искусством позитивным, утверждающим, в трудные времена начинает активно развиваться вопреки обстоятельствам.

Каждая встреча со скульптурой Виктора Корнеева рождает ощущение абсолютной естественности ее существования в пространстве, безукоризненной архитектоники ее объемов, внутренней гармонии смысла и формы. Его творчество, остросовременное по мироощущению, развивается в русле традиционной пластики и темы обнаженной женской фигуры. В его образах архаическое, вневременное органически слито с присущим эпохе мотивом неустойчивости, непрочности существования. Сострадательная, щемящая нота рождается, по словам художника, из «ностальгии по утраченной гармонии примитива, по прекрасному, добру и красоте человеческих отношений».

Творчество Анатолия Комелина стоит особняком, являясь в то же время ценнейшим феноменом современного искусства. Движение от предметных форм к условно-абстрактным и все более и более лаконичным позволяет ему выразить, не отвлекаясь на изыски, простые, ем кие, а то и вечные смыслы: цветок, дерево, пейзаж, двое, Благовещение, Жены Мироносицы. Любимый материал художника - дерево. Главный его инструмент - топор. Может быть, в этом сказывается заложенная в нем генетическая память руки, крепкое ремесло. За внешней, с первого взгляда, грубой простотой композиций Комелина скрывается внутренняя гармония.

Михаил Дронов - один из самых значительных мастеров современной скульптуры. Свободно владея языком пластики, он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Судить о нем непросто. Его произведения, полные иронии и гротеска, творят реальность из фантасмагорий. Вольно трансформируя натуру, приводя ее форму к убедительному знаку, они не столько открывают, сколько вуалируют глубину сущности художника. Зашифрованные, многозначные образы Дронова - пластические размышления о жизни, истории, о себе самом.

«Я делаю то, что хорошо знаю, что чувствую и понимаю, - говорит Елена Суровцева. - У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины». Четкий найденный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями - характерный почерк скульптора. Пластика женского тела открывает для нее богатые возможности.

Крашеная деревянная скульптура Валерия Епихина, простая, вроде бы незамысловатая, узнается с первого взгляда. Его искусство не игра в художника примитивиста, оно коренится в глубинах бытовой крестьянской культуры, в традициях деревянной пластики. «Все лучшие темы - вокруг: в быту, в семье, на улице. Боюсь экзотики, многосложности, умствования», - признается художник. Его образы – словно счастливый отзвук и отголоски детства, жизни русской провинции 1960-х годов. Он уверен: «Искусство должно нести зрителю только положительные и светлые эмоции».

Геннадий Воронов прожил всего полвека. Ему было свойственно некое прирожденное знание, природное чувство органики материала, его бытования, особенно дерева, которому, думается, нельзя научиться. Иначе невозможно объяснить то, что его близкие друзья называют «тайной ремесла, волшебством, безумным талантом». Немногие произведения художника можно отнести к традиционной скульптуре. Его добротно сработанные, функциональные предметы, скорее «натюрморты наоборот», одухотворены чувством и творческой волей мастера. Произведения Воронова нельзя свести ни к одному из существующих направлений. Ему были не нужны словесные подпорки концептуализма, поп-арта или иной придуманной схемы. Он делал органичным любой предмет, которого касались его руки.

Подобно выставке «Шестидесятники в 1990-х», состоявшейся в Третьяковской галерее в 1993 году, выставка «Обитаемые острова» по праву могла бы быть названа «Восьмидесятники в 2000-х». С той только разницей, что за терминами «шестидесятники», позже «семидесятники» стоит вполне определенное содержание и конкретные имена, а «восьмидесятниками» можно условно назвать поколение, вошедшее в искусство в 1980-х годах. И судить о нем выставка «Обитаемые острова» предлагает по итогу их двадцатилетней работы.

Каков же был потенциал художников, сумевших в это смутное двадцатилетие не стать «потерянным» поколением, не поддаться «духу времени», а принять на себя труднейшую миссию продолжения традиций отечественной культуры! Какими они были в 1980-е? Эти художники вошли в искусство «на плечах» «шестидесятников» и «семидесятников». Их отличала фундаментальная профессиональная школа, владение материалом мировой культуры, ориентированность в современной культурной жизни Европы и Америки, раннее мастерство, артистизм, метафоричность образов и, у многих, пронзительное ощущение приближающегося конца века.

Они упорно работали, участвовали в выставках и различных творческих симпозиумах, много экспонировались за рубежом. И, что важно, не помышляли уехать из России. Ведь, как показал опыт истории Х1Х и ХХ веков, добровольная эмиграция неизбежно влечет за собой выпадение из культурной жизни страны.

Сегодня участники выставки - это вполне состоявшееся, активно работающее поколение ведущих художников современного российского искусства. Можно надеяться, что выставка «Обитаемые острова» послужит самоопределению целого культурного слоя - искусства конца ХХ века.